29/11/2021 - Il regista italiano mescola il tema del cannibalismo con l'amicizia e l'autodeterminazione nel suo lungometraggio d'esordio vincitore al Black Nights

Il Tallinn Black Nights Film Festival di quest'anno ha ospitato la proiezione del primo lungometraggio del regista italiano Francesco Sossai. Altri Cannibali [+leggi anche:
recensione
intervista: Francesco Sossai
scheda film] è un dramma intimo in bianco e nero con due singolari protagonisti e offre uno sguardo originale sul tema del cannibalismo. Abbiamo parlato con il regista della sua ispirazione, dei suoi personaggi e del concept visivo del film, che ė stato premiato con il Best First Feature Film Award (leggi la news).

Cineuropa: Da dove viene l'ispirazione per la storia?
Francesco Sossai: Ho realizzato un mockumentary in forma breve nel 2013-2014 sul cannibalismo, con lo stesso attore che vediamo in Altri Cannibali.  Con il lungometraggio, volevo guardare l'argomento da un'altra prospettiva. L'ispirazione mi è venuta da un incontro che ho avuto, quando sono tornato nei dintorni della mia città natale in Italia. Una sera, in un ristorante, ho visto due ragazzi che si parlavano. Erano molto intimi, ma sembravano ancora non conoscersi così bene. Senza sapere cosa avessero detto, immaginavo di cosa avrebbero potuto parlare e che avrebbero potuto fare qualcosa di speciale. Provavo allo stesso tempo disagio e un certo fascino per loro. La storia è partita da quella scena e da lì si è sviluppata lentamente.

Come hai sviluppato i personaggi?
Entrambi i protagonisti dovevano avere qualcosa di metafisico e, allo stesso tempo, essere radicati nella realtà. Fausto è il tipo irrequieto: si ispira al Faust di Pushkin, che chiede l'intervento del demone perché annoiato. Ivan è come uno dei personaggi di Dostoevskij: ha idee estreme attorno alle quali costruisce un quadro concettuale. Entrambi assomigliano a persone che ho incontrato dalle mie parti. Sono personaggi “nel limbo” che non hanno mai realizzato nulla e sono bloccati nel loro modo di vivere.

Come hai trovato i tuoi protagonisti?
Il film mescola attori professionisti e non professionisti. Molti di loro sono persone della mia città. Per quanto riguarda i due protagonisti, conosco Walter Giroldini, che interpreta il ruolo di Fausto, da 15 anni. È un attore non professionista ma ha fatto dei concerti. Mi ha sempre affascinato con il suo atteggiamento energico e allo stesso tempo inquietante. Siamo diventati amici, alla fine. In precedenza abbiamo lavorato insieme al mio cortometraggio e ho visto cosa era in grado di fare. Insieme, abbiamo sviluppato il suo ruolo per questo film. Nel caso di Diego Pagotto, che interpreta Ivan, l'ho incontrato mentre lavoravo come assistente alla regia in un altro film. Ero affascinato dal suo viso e dal suo carisma. Ha fatto molti film in Italia. Volevo però mostrarlo da una prospettiva più fragile. Abbiamo impiegato molto tempo a preparare la relazione tra i due personaggi, poiché è su questo che si basa il film. Mi è piaciuto il fatto che entrambi avessero caratteristiche molto diverse in termini di volti e corpi.

C'era spazio per l'improvvisazione o avevi una sceneggiatura rigorosamente controllata?
Era una combinazione di entrambi. Ho sviluppato la sceneggiatura, poi abbiamo iniziato a provare e integrato le cose che sono emerse durante questo processo nella sceneggiatura. Poi siamo tornati agli attori con una nuova sceneggiatura. La cosa più importante era che gli attori dovessero potersi sentire liberi nei loro movimenti; ecco perché anche la telecamera doveva muoversi liberamente.

Quali sono stati gli aspetti più importanti del concept visivo del film?
Con il bianco e nero ho voluto raggiungere una certa contraddizione tra l'approccio quasi documentaristico e la parte fittizia del film. Il film doveva sembrare un western, come i film che il protagonista Fausto ama guardare. Abbiamo usato la telecamera a mano principalmente per motivi pratici, poiché mi ha permesso di seguire ognuno dei personaggi e di cambiare prospettiva quando Ivan arriva in città. Inoltre ho voluto evitare di rappresentare il luogo in modo eccessivamente idilliaco. L'idea era che il film non esaltasse la bellezza dell'ambiente circostante, ma piuttosto creasse le immagini nel modo più duro possibile.

La scena della macellazione del maiale è molto simbolica. Perché era importante per te mostrarlo?
Volevo includere un test di realtà per il mondo fantastico dei personaggi, e anche per quello del pubblico. Ho assistito a questa pratica da quando ero un bambino, ed è ancora qualcosa che mi fa rivoltare lo stomaco. Sembra il fantasma di qualcosa che sta scomparendo dalle nostre vite. Riguarda la morte e il nostro rapporto con la morte. Volevo ritrarlo nel modo più semplice possibile, come se camminassi in campagna e ti capitasse di vederlo. È in contrasto con qualcos’altro – una tradizione – che sta scomparendo: il coro maschile. Quegli stessi uomini sono in grado di fare entrambe le cose.

(Tradotto dall'inglese)